Il tuo stile negli ultimi anni è altamente riconoscibile, dagli ultimi tre album dei Dark Tranquillity a quelli degli Aephanemer, passando per il più recente album dei Green Carnation e diversi design che hai realizzato per t-shirt, come “Eye Hourglass” dei Be’Lakor o i disegni creati per il Wacken. Tuttavia, guardando i tuoi lavori, emergono anche opere che sembrano seguire correnti differenti, come quelle per i Jours Pâles (che in qualche modo richiamano le copertine di “Projector” dei Dark Tranquillity) o anche la copertina dell’ultimo album degli Une Misère. Come decidi come progettare le copertine degli album?

Dipende. Poiché lavoro in molti stili diversi, spesso capita che la band abbia già una preferenza di base per la presentazione visiva. Di solito dicono di amare particolarmente ciò che ho fatto per la band X o Y e di essere interessati a qualcosa di simile. Negli ultimi anni, molte richieste riguardano illustrazioni colorate e dettagliate, come quelle realizzate per gli ultimi album dei Dark Tranquillity. È sempre una discussione, e a volte provo approcci diversi per capire quale direzione sia la migliore. È successo che alcune band abbiano richiesto un disegno a inchiostro complesso, ma poi abbiamo scoperto che una foto o un simbolo minimalista fosse un approccio migliore. Come per la musica, è importante essere consapevoli del contesto generale e riconoscere che a volte fare qualcosa di inaspettato o “sbagliato” può essere il modo migliore per comunicare l’essenza della band, sia da un punto di vista artistico che di marketing. Gli album dei Jours Pâles e degli Une Misère sono esempi di come ho pensato fosse interessante combinare elementi tradizionali e antichi con uno stile digitale glitch moderno, per rappresentare visivamente la musica (che in entrambi i casi è originale ed eclettica). È una buona osservazione che questo continui l’eredità di “Projector”, il mio primo lavoro per un’etichetta importante, un album che ancora mi piace molto. Per Green Carnation e Aephanemer, invece, è stato meglio mantenere un aspetto più organico e uno stile illustrativo più convenzionale. Per quanto riguarda i concetti, possono variare enormemente da progetto a progetto. A volte ho totale libertà creativa, senza nemmeno un titolo dell’album come guida, altre volte la band ha un’idea molto specifica, fino al dettaglio di cosa debba esserci sulla copertina. Non mi dispiace ricevere indicazioni precise, può essere una sfida interessante, ma credo che i miei lavori migliori nascano quando ho piena libertà artistica.

C’è un’opera di cui sei (o sei stato) particolarmente orgoglioso?

Difficile da dire. Sono un perfezionista e raramente sono al 100% soddisfatto di un lavoro. Quando un’illustrazione è terminata, ho passato così tanto tempo ad analizzarne ogni dettaglio che sono pronto a passare al progetto successivo. Solo dopo alcuni anni riesco a guardare le opere in modo più obiettivo e ad apprezzarle. Detto ciò, penso che gli ultimi due album dei Dark Tranquillity abbiano quasi completamente soddisfatto le mie ambizioni, e non parlo solo delle copertine, ma dell’intera presentazione visiva: artwork dei singoli, layout, animazioni per i live, t-shirt, poster, ecc.

Considerando la tua natura di cantautore, con riff di chitarra sapientemente costruiti e testi profondamente significativi, cosa ti ha spinto a iniziare prima il progetto “Mitochondrial Sun” e poi “Wattudragaren”?

Sono stati il risultato del desiderio di provare cose nuove. Dopo aver trascorso quasi 30 anni concentrandomi sui Dark Tranquillity, è stato fantastico mettere da parte la chitarra per un po’ e sperimentare con la musica elettronica e ambient. L’idea di creare qualcosa come “Mitochondrial Sun” completamente da solo era molto più interessante che cercare di formare una nuova band metal. Ero stanco dei tour e delle prove e ho apprezzato davvero la possibilità di sedermi e creare ogni volta che l’ispirazione arrivava. Per lo stesso motivo, ero abbastanza contento di orientarmi verso la musica strumentale. Mi piace l’idea di non “appesantire” la musica con le parole, lasciando più spazio all’ascoltatore per riempire i vuoti e partecipare con la propria immaginazione rispetto a quando ci sono i testi. È una tela aperta.

I Mitochondrial Sun hanno debuttato con il botto: in meno di due anni hai pubblicato due album e un EP. È stata una mossa inaspettata; perché hai deciso di far uscire tutto così ravvicinato?

La ragione principale era il desiderio di pubblicare la musica appena completata. Questo è uno dei vantaggi di essere un artista solista: non bisogna conformarsi alle nozioni dell’industria su quanto frequentemente pubblicare nuovi album. Per una band professionale come i Dark Tranquillity, non sarebbe mai stato possibile pubblicare due album nello stesso anno, poiché si dovrebbe completare un ciclo di tour di 2-3 anni prima che il mercato sia pronto per il successivo. Essendo Mitochondrial Sun un progetto piccolo e indipendente, ho la libertà di pubblicare musica quando voglio. Forse sarebbe stato più intelligente dal punto di vista delle vendite dilazionare le uscite, e magari il secondo album avrebbe dovuto essere pubblicato sotto un nome diverso, visto che il suono era così diverso dal debutto. Ma è bello seguire il cuore e non cercare di applicare una mentalità da uomo d’affari alla musica.

L’ultimo lavoro risale al 2021; c’è qualcosa in cantiere pronto a uscire?

Assolutamente! Il prossimo album è in fase di mastering proprio questa settimana e sarà pubblicato nella primavera del 2025. Inoltre, c’è un altro album che è circa al 75% completato, anche se è troppo presto per sapere esattamente quando sarà pronto (e non c’è fretta). Questi album sono molto diversi tra loro: il prossimo è basato sui sintetizzatori, è orecchiabile e solare – una sorta di interpretazione spensierata di un tema di “avventura spaziale” dell’infanzia. Alcune canzoni hanno quasi un’atmosfera da videogame retrò, ed è complessivamente un ascolto piacevole e leggero. Il secondo album, invece, è una continuazione del sound di “Sju Pulsarer”, che esplora il lato opposto della medaglia: l’universo come un’entità fredda e indifferente dove la vita biologica è rara e temporanea. Questo è comunicato attraverso molta distorsione e ritmi ossessivi della drum machine, che richiederanno molta pazienza all’ascoltatore – ma io lo adoro.

Mentre aspettavo novità sul fronte M.S. ho scoperto (sfortunatamente troppo tardi dal momento che non sono riuscito ad acquistare una copia fisica dell’album) il tuo nuovo progetto solista, Wattudragaren. Come è nata questa idea?

Sì, quasi un’uscita “segreta”, ah ah! Ho fatto tutto da solo (con l’aiuto dell’etichetta italiana Inertial Music per la distribuzione europea) e ho pensato che le 100 copie si sarebbero esaurite rapidamente senza bisogno di molta promozione. Wattudragaren era un progetto molto ambizioso: ogni copia dell’album aveva una copertina unica disegnata a mano su carta speciale, quindi per forza è stato un’edizione limitata. È stato un progetto gratificante, e le persone hanno apprezzato molto l’idea di un ibrido album-opera d’arte, ma ha richiesto un’enorme quantità di tempo. L’idea è nata da alcune idee musicali più meditative che non si adattavano al progetto Mitochondrial Sun. Anche se inizialmente pensavo che non ci dovessero essere limiti per M.S., c’è comunque una certa natura “cosmica” ed elettronica che era molto diversa dai brani ambient organici e legati alla natura su cui stavo lavorando, quindi ho deciso di pubblicare Wattudragaren sotto il mio nome.

Wattudragaren potrebbe essere “categoricamente” collegato al tuo progetto precedente, un lavoro ambient con un concetto preciso, ed era proprio ciò che mi aspettavo prima di ascoltare l’album con le cuffie, per poi essere catapultato in tutt’altro luogo, rendendomi conto della necessità di separare i due progetti. Wattudragaren ha una forza interiore e, secondo me, uno spirito molto più profondo; la sua calma è piena di colori attenuati che ipnotizzano l’ascoltatore in una tempesta di pace… Cosa si nasconde dietro la creazione di questo progetto?

Sono d’accordo. All’inizio è facile pensare che un album ambient potesse essere pubblicato sotto il nome Mitochondrial Sun, ma l’atmosfera di Wattudragaren è semplicemente molto diversa, quindi non mi sembrava corretto. Mi piace l’espressione “tempesta di pace”. Sono sempre stato attratto da questo tipo di ambient basato sul design sonoro, dove le singole sorgenti sonore e le texture sono importanti quanto le note e gli accordi suonati. Gran parte della mia musica precedente era tutta incentrata sulla composizione di buone melodie e riff e sulla creazione di arrangiamenti intelligenti, quindi è stato molto gratificante concentrarsi invece sull’atmosfera. Con questo tipo di musica, molte delle decisioni cruciali vengono prese nella fase di missaggio: scegliere il giusto riverbero o apportare una modifica all’EQ esattamente nel momento giusto può fare una differenza enorme. Sorprendentemente, sento anche di essere cresciuto molto come musicista realizzando Wattudragaren, perché mi ha costretto a pensare fuori dagli schemi e a prestare attenzione a dettagli musicali a cui prima non facevo caso.

In una recente intervista con noi, Stanne ha detto che, nella sua mente, voi siete ancora i tre membri originali (incluso Henriksson). Cosa ne pensi?

Tecnicamente parlando, è vero, ma anche Anders Jivarp e Anders Fridén sono membri originali. Probabilmente Mikael intendeva dire che, tra i membri originali, siamo noi tre che siamo ancora coinvolti nel lavoro quotidiano con i Dark Tranquillity. Martin Henriksson è stato il manager della band per molti anni, e io ovviamente continuo a occuparmi dell’artwork e delle animazioni dal vivo, quindi siamo in contatto molto frequente.

I Dark Tranquillity sono evoluti e continuano a farlo, senza però dimenticare il passato, riportando in vita diversi classici preferiti dai fan durante i concerti. Come ti senti, quasi 10 anni dopo aver lasciato i Dark Tranquillity? Hai mai pensato di rientrare, magari anche solo come musicista session?

Ovviamente ho tantissimi ricordi fantastici degli anni con i Dark Tranquillity. È davvero straordinario che un gruppo di adolescenti senza alcuna formazione musicale sia riuscito a creare qualcosa di unico che ha risuonato con così tante persone. Siamo cresciuti tutti nella stessa strada, vivendo a poche centinaia di metri l’uno dall’altro, quindi è una storia speciale, diversa da come operano la maggior parte delle band. Nessuno di noi sapeva nemmeno suonare uno strumento quando abbiamo formato il gruppo, quindi è sorprendentemente inaspettato che le cose siano andate come sono andate. Sono molto contento che la band stia ancora andando bene – anzi, meglio che mai, grazie a una nuova generazione di fan che ha preso la musica a cuore – ma sono più felice nel mio studio di casa che su un tour bus.

Quando ho letto che avevi contribuito a False Reflection, l’ultima traccia di Endtime Signals dei Dark Tranquillity, quasi non potevo crederci. È stato inaspettato e straordinario. Puoi raccontarci come si è sviluppata questa idea?

La band aveva appena iniziato la composizione di Endtime Signals e, dato che volevano mantenere il processo creativo aperto, mi hanno chiesto se avessi qualche musica che potesse adattarsi. Ho inviato alcune idee, e ne hanno sviluppata una trasformandola in False Reflection, il che è stato un grande onore. Devo sottolineare che non è “la mia” canzone in senso stretto: ho creato la progressione di accordi principale, e poi Martin, Johan e Mikael hanno aggiunto il loro lavoro creativo espandendola in una canzone completa. Per me è una chiusura d’album molto forte, nel solco di brani atmosferici dei D.T. come Iridium.

Pensi mai alla tua carriera con i Dark Tranquillity? C’è qualcosa che ti manca?

Ovviamente sono orgoglioso di tutto ciò che abbiamo realizzato insieme, e come accennato abbiamo un legame più speciale rispetto a molte altre band, dove i musicisti vengono scelti più in un’ottica di carriera. Tuttavia, generalmente non sono molto nostalgico e non passo molto tempo a pensare alle glorie del passato, per così dire. Mi è sempre piaciuto l’aspetto creativo e la camaraderia che si crea viaggiando per il mondo con i tuoi amici d’infanzia, ma onestamente quel livello di tournée non è mai stato il mio forte. Inoltre, la maggior parte delle responsabilità che hanno oggi le band a tempo pieno sono cose che non mi piacevano nemmeno allora. Non mi entusiasmano i social media o fare molta promozione, trovo i meet-and-greet imbarazzanti e non ho la personalità estroversa da rock star che mi fa piacere essere sotto i riflettori o essere riconosciuto tra la folla. Il panorama attuale dell’industria musicale ti chiede di essere per il 95% creatore di contenuti e solo per il 5% musicista, cosa che non fa per me.

Pensi che potremmo mai rivederti sul palco, magari per uno show speciale?

Non è impossibile, ma suonare dal vivo non è molto in alto nella lista delle priorità. C’è anche un grande investimento di tempo coinvolto: non si tratta solo di prendere una chitarra e salire sul palco – qualsiasi attività dal vivo richiederebbe molta preparazione e prove. Alcuni mi hanno chiesto se voglio suonare dal vivo con Mitochondrial Sun, e anche se sono sicuro che sarebbe possibile presentare la musica sul palco in modo artisticamente interessante, sarebbe un lavoro enorme (trovare membri per il live, visto che non posso essere solo io con un laptop; riarrangiare i brani in modo che siano suonabili dal vivo; creare visual per lo spettacolo, ecc.) e probabilmente potrei fare 2-3 nuovi album nello stesso tempo – il che probabilmente è meglio sia per me sia per la piccola ma devota fanbase.

Tempo di nerd delle chitarre: potresti condividere i tuoi riff preferiti che hai scritto durante la tua carriera musicale?

È una domanda sorprendentemente complicata, ah ah! In generale, sono più interessato alle canzoni che ai riff. Ho una visione d’insieme della musica e la totalità di una canzone (musica, voce e testi ma anche cose come l’artwork dell’album) conta più dei singoli elementi. Concentrarsi solo sui riff di chitarra (o sugli assoli) è un po’ come analizzare i tratti di pennello di un dipinto anziché apprezzare l’opera intera, o cercare di scegliere il mattone preferito in una casa che hai costruito. Si tratta di una visione d’insieme. Se la canzone stessa non è forte, non importa quanto buoni siano i riff, e viceversa. Proprio come con l’artwork, sono un perfezionista, ed è anche naturale essere iper-analitici verso il proprio lavoro al punto che è difficile ascoltarlo come un fan, o persino giudicarne la qualità in modo significativo. Ma per provare a dare una risposta, penso ancora che alcuni dei primi lavori dei D.T. (non solo i miei riff, ma anche quelli di Martin Henriksson e Fredrik Johansson) siano molto ispirati e più avanzati di quanto ci si potrebbe aspettare, considerando la nostra età e la mancanza di conoscenze musicali. Eravamo completamente autodidatti e avevamo suonato i nostri strumenti solo per 3-4 anni quando scrivemmo le canzoni di Skydancer, e sicuramente abbiamo attinto a una corrente molto creativa in cui combinavamo ogni tipo di influenza in qualcosa che non era mai stato fatto prima.

Il riff di apertura di Of Chaos and Eternal Night è probabilmente un preferito, così come i primi due riff di Silence, and the Firmament Withdrew. In anni più recenti – beh, intorno al 2006 – penso che Inside the Particle Storm sia venuta molto bene, anche se non mi piacciono più quel tipo di testi nichilisti. Sono molto soddisfatto dei riff di Sju Pulsarer, ma la produzione (intenzionalmente) rende un po’ difficile sentire i dettagli. Ci sono molte combinazioni di note interessanti e arrangiamenti complessi su cui ho lavorato duramente. Volevo che alcune melodie fluissero tra i modi minore e maggiore, un tratto tipico della musica tradizionale svedese che pensavo potesse suonare interessante in questo contesto.

Recentemente sono volato a Londra per vedere il concerto dei Dark Tranquillity all’Academy, e come da tradizione lo spettacolo si è concluso con Misery’s Crown. Prima hai menzionato come la democrazia nei D.T. ha portato l’intera band a collaborare nella creazione di una canzone, e infatti i crediti per questo brano includono i nomi di tutti i membri del periodo (eccetto Michael N.). La canzone è diventata davvero importante, ma era stato sempre pensato così? Puoi dirci qualcosa su come è stata creata?

Misery’s Crown è sicuramente diventata un classico dal vivo, ma non era affatto il piano, ah ah! È piuttosto strano a posteriori, ma in realtà non la includevamo affatto in scaletta all’inizio. Pensavamo che non si adattasse al resto del materiale e forse fosse un po’ troppo semplice e orecchiabile per un concerto metal, quindi abbiamo suonato molti concerti durante il tour di Fiction senza mai eseguire Misery’s Crown. Alla fine abbiamo deciso di provarla per vedere come sarebbe stata la risposta, e probabilmente è stata suonata in ogni concerto dei D.T. da allora. Onestamente non ricordo al 100% il processo di scrittura, visto che è passato così tanto tempo, ma per quanto ricordi (e potrei sbagliarmi in alcuni dettagli), Anders scrisse la melodia principale come un pezzo per pianoforte indipendente, e io poi feci una piccola demo con l’idea di arrangiarla con un ritmo orecchiabile in 4/4 e accordi semplici sullo sfondo. Ho anche creato il verso pulito, che originariamente era molto più lento e probabilmente avrebbe reso la canzone meno efficace dal vivo. Il riff del bridge e le parti centrali sono state molto probabilmente scritte dai due Martin, e ci sarà stato sicuramente molto avanti e indietro in sala prove, come al solito. Ho ascoltato una delle vecchie demo per rinfrescarmi la memoria, e in realtà c’era un riff più veloce incluso a un certo punto, invece della parte melodica da cantare presente nella versione finale. La formula per i crediti dei D.T. all’epoca era che il membro che ideava l’idea originale per un riff/canzone veniva accreditato sull’album (dividevamo sempre le royalties in parti uguali tra tutti i membri, indipendentemente da chi scrivesse cosa), il che significa che se la persona A inventava una melodia che la persona B trasformava in un riff di chitarra che le persone C e D poi raffinavano e modificavano, il credito sull’album mostrava solo la persona A – quindi la maggior parte delle canzoni era il risultato di un grande lavoro di squadra, anche se i crediti a volte indicavano il contrario.